Жаропонижающие средства для детей назначаются педиатром. Но бывают ситуации неотложной помощи при лихорадке, когда ребенку нужно дать лекарство немедленно. Тогда родители берут на себя ответственность и применяют жаропонижающие препараты. Что разрешено давать детям грудного возраста? Чем можно сбить температуру у детей постарше? Какие лекарства самые безопасные?
Название стиля оп-арт происходит от англ. «ор art», сокращения от optical art - «оптическое искусство». Это неоавангардистское течение абстрактного искусства возникло в 1950-х годах и получило широкое распространение в Европе и США в 1960-х. Оно стало одной из интеллектуальных альтернатив масс-медийному поп-арту.
Художники оп-арта, такие как Виктор Вазарели (Victor Vasarély), Бриджит Райли (Bridget Riley), Хесус Рафаэль Сото (Jesus Rafael Soto), Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) и др., в своих произведениях создавали пространственные оптические иллюзии и имитацию движения с помощью многократно повторяющихся и перетекающих одна в другую простых геометрических фигур.
На фото: модель Versailles от фабрики Bisazza, дизайн Braga Marco.
Мало отразившись на архитектуре, оп-арт оказал большое влияние на графический дизайн и оформление интерьеров. Так, стены оклеивали разноцветными обоями с муаровыми и концентрическими узорами, имитирующими движение и вибрацию, или украшали большими настенными панно («Суперграфика»). Для зрительного увеличения объема помещения применяли различные оптические эффекты. Яркими примерами здесь могут служить знаменитый нарисованный бассейн и спускающаяся в него лестница с «настоящими» перилами, а также «дверь», приоткрытая в несуществующую комнату. Иллюзия пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при помощи резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. Часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции, использовались материалы сотражающей поверхностью (металл, стекло, пластик), различные ткани.
- 1 из 1
На фото:
В дизайне мебели преобладали плавные, изогнутые линии, контрастное сочетание цветов (белый – черный). Чаще всего она выполнялась из прозрачных материалов с отражающей поверхностью (стекло, пластик, переплетенные металлические нити каркаса).
Основные мотивы :
Комментировать в FB Комментировать в VK
Также в этом разделе
Чем может заинтересовать дизайнера и потребителя компания, производящая колонки для воспроизведения музыки рассказывает Олег Люгин, директор по развитию дистрибьюторской компании MMS Cinema.
Архитектурный стиль лофт, возникший из промышленных помещений, дает огромные возможности для фантазии. Именно здесь, в оживленных старинных фабричных зданиях, «производятся» самые креативные идеи.
Сегодня во многих российских домах появилось отдельное помещение для приема пищи. Но так было не всегда. Откуда берет свое начало столовая? Кто ее придумал, и почему она исчезла почти на столетие?
Массовому выпуску самых знаковых предметов повседневного быта предшествовали годы, а порой и десятилетия инженерных поисков. Представляем вам самые полезные изобретения для дома в истории.
В прежние века украшения новогодних ёлок символизировали евангельское предание, затем - достаток и богатство. А в XX веке по декору елей в России можно было узнать о ключевых событиях в жизни страны.
В наше время почти все родители стараются выделить для ребенка отдельную комнату. Но относительно недавно у детей не было собственных «апартаментов» или они сильно отличались от сегодняшних.
Название происходит от англ. hi-tech, сокращения от high technology – высокие технологии. Хай-тек известен также как промышленный стиль. Зародился на волне постмодернизма в Великобритании.
Постмодернистское направление в дизайне, возникшее в Великобритании в 1970-1980-х годах. Характеризуется отказом от проектирования предметов массового производства в пользу выпуска ограниченных
Название стиля происходит от сокращенного popular art (англ.) – популярное искусство. Второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. нечто
Название происходит от фр. postmodernisme – после модернизма. Главной особенностью этого направления считается хаотическое использование элементов, заимствованных из исторических стилей прошлого.
Постмодернистская группа «Мемфис» (Memphis Group) была организована 11 декабря 1980 года в Милане дизайнерами Этторе Соттсассом (Ettore Sottsass), Андреа Бранци (Andrea Branzi) и Микеле де Лукки.
Термин восходит к франц. rococo, от rocaille - осколки камней, раковины. Рококо возник во Франции в первой половине XVIII века. Его расцвет (примерно 1725-1750 годы) пришелся на времена правления
Стиль в европейском искусстве и литературе XVII - начала XIX века. Название происходит от лат. classicus - образцовый и выражает суть стиля: он ориентирован на формы античного искусства как на
Основная концепция этого стиля – подражание природным формам и преимущественное использование натуральных материалов. Он зародился в рамках стиля модерн в начале XX века.
Сюрреализм (фр. surréalisme - сверхреализм) - художественное направление, сложившееся в рамках модернизма к началу 1920-х годов во Франции. Его основателем и идеологом считают писателя и поэта
Стиль, существовавший в 1920-х годах преимущественно в России (в архитектуре, оформительском, плакатном, театрально-декорационном искусстве, издательском деле, конструировании, дизайне).
Шестидесятые стали десятилетием молодежных субкультур, эксцентричной "бумажной" и "пластиковой" моды и минимализма. Европейские и американские подростки протестовали против политики своих государств, демонстрируя негативное отношение к обществу потребления с помощью одежды из секонд-хэндов. Игнорирование молодежью дизайнерских моделей не помешало громкому дебюту Ива Сен-Лорана и Валентино Гаравани, также пришедшемуся на "безумные шестидесятые". "Если вы помните 60-е, значит, вы тогда не жили", — говорил продюсер группы The Doors Дик Вулф.
"Чем безумнее - тем лучше!"
Пожалуй, самым экстравагантным направлением моды 1960-х стал космический стиль. В 1961 году , и это повлияло не только на развитие науки, но и на моду. Дизайнеры были вдохновлены новыми перспективами и стали создавать причудливые, "инопланетные" модели. Первопроходцем в "космической моде" был дизайнер Андре Курреж, поклонники которого носили лунные ботинки и солнцезащитные очки в форме теннисных мячей. Курреж создавал короткие, похожие на детские, платьица, украшая их сверкающими пайетками и необычными аксессуарами.
Для подобных моделей более подходящими оказались искусственные, а не натуральные материалы - синтетика, пластик, винил. Модельеры украшали платья виниловыми пластинками и ими же скрепляли элементы купальника. В качестве материала использовался и металл. Конечно, сияющие комбинезоны, шлемы причудливой формы и щиты для глаз не прижились на улицах, однако подиумы в то время пестрели необычными "космическими" моделями, над созданием которых работали известные модельеры и .
Мода на синтетические волокна плавно переросла в тенденцию создавать одежду из материалов, ранее использовавшихся в совсем иных целях. Дизайнеры экспериментировали с материалами, изготовлявшимися для космических скафандров, спортивной одежды и военной формы. Модели дефилировали по подиумам в одежде из винила и дакрона, которая на фоне консервативной парижской моды предыдущих десятилетий выглядела сверхоригинально и даже революционно. Эксцентричность предложенных дизайнерами нарядов считалась плюсом - для многих 1960-е прошли под девизом: "Чем безумнее - тем лучше!". Наряду с "пластиковой" и "виниловой" тенденцией в этот период в мире моды протекал и "бумажный бум".
В 1966 году в США фабрика Скотта помимо бумажных предметов обихода стала выпускать и одежду. Бумажные модели были двух расцветок - черно-белые и желто-черно-красные. Коллекцию назвали "Взрыв цвета" и рекомендовали менять при помощи ножниц, а чинить, используя лист бумаги. Надевать подобное платье можно было до пяти раз, а продавались модели "бумажной" моды в специальных магазинах. Производители представляли новые костюмы как воплощение блестящей новаторской идеи и произведение современного искусства.
Уловив новую тенденцию в массовом производстве, бумажные модели стали создавать и дизайнеры. "Бумажными кутюрье" журналисты и публика окрестили Элизу Дэббс и Гарри Гордона, выпускавших платья по три доллара за штуку. Однако не все дизайнеры были столь демократичны - зачастую цены на бумажные модели могли сравниться с кутюрными нарядами. В Нью-Йорке, на Мэдисон-авеню открылся бутик "Парафеналия", где продавалась супермодная пластиковая и бумажная одежда. "Тот, кто с пафосом относится к одежде, отвратителен. Ведь это всего лишь одежда. Она должна быть смешной, ее нельзя воспринимать серьезно", — озвучил настроения в молодежной среде один из основателей "Парафеналии" Пол Янг, сооснователем культового бутика был .
Искусство в моде
На фоне популярности картин "Зеленые бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл" Уорхол начал переносить свои знаменитые рисунки и на ткань. Создавая одежду по собственным эскизам, он выпустил ставшие популярными платья "Бутылка", "Хрупкость", рубашку "Суп "Кэмпбелл". Рисунки в стиле поп-арт использовали в своих моделях и другие дизайнеры, сделав многократное перенесение привычных объектов на ткань одной из самых ярких тенденций моды 1960-х.
Если влияние кинематографа на моду ощущалось и в предыдущие десятилетия, то живопись проникла в фэшн-индустрию как раз в шестидесятые. Еще одним течением, которое нашло широкое отражение в массовой одежде, стал стиль оп-арт. Картины, выполненные в этом стиле, строились на световых эффектах и контрасте черного и белого цветов. Тенденция выражать человеческие чувства с помощью оптических эффектов появилась в 1950-х, а повсеместное распространение получила уже в середине 1960-х. Черно-белые контрастные полотна зачастую вызывали у зрителей головокружение, а модельеров стиль оп-арт привлекал графической простотой и новизной. Обычно подобные модели одежды были простого кроя, что, впрочем, с лихвой компенсировалось изображенными на ткани искаженными геометрическими фигурами, стилизованными кругами и монохромными спиралями и полосами. "Новая волна рисунка на ткани получила название оп-арт. Основой дизайна становятся современная архитектура и живопись. От романтизма не осталось и следа", — писал в 1966 году журнал Neue Mode.
Новая, в чем-то эксцентричная мода была крайне популярна у подростков. Среди модельеров, вдохновлявшихся новыми течениями в живописи, были Лари Олдрич, Андре Курреж, . Последний в 1965 году представил публике коллекцию, основанную на творчестве одного из основоположников абстрактной живописи Пита Мондриана. Модельеры предлагали огромное разнообразие безумных аксессуаров и цветовых контрастов, однако именно противопоставление черного и белого стало настоящим хитом десятилетия. Начиная с 1960-х годов, дизайнеры постоянно черпали идеи в других видах искусства, подтверждая тем самым, что красота - категория не постоянная, а переменная.
"Радикальный шик" и стиль субкультур
Наряду со столицами мировой моды Парижем и Миланом в 1960-х годах свой стиль стал диктовать Лондон. Ведущие издания называли английскую столицу новым центром стиля и моды, а британские дизайнеры наперекор консервативному Парижу предлагали экстравагантные модели, которые стали настоящим символом десятилетия.
После окончания Второй мировой войны и преодоления кризиса финансовая ситуация в европейских странах начала улучшаться. Молодые люди уделяли больше времени музыке, кино и прочим развлечениям. Так в лондонский стиль проникла американская мода на джинсы и косухи, а эмигранты из бывших британских колоний привнесли в столицу Англии стиль западной Индии. Новое направление, сформировавшееся под влиянием самых разных веяний и культур, было ориентировано преимущественно на подростков. На улицах Лондона в то время можно было встретить как молодых людей в этнических нарядах, так и "бунтарей" в футболках и потертых джинсах. В 1966 году журнал Time Magazine опубликовал статью под заголовком "Лондон — город свинга". В конце десятилетия на экран вышли фильмы, отразившие революционный дух того периода: "Фотоувеличение" Микеланджело Антониони и "Спектакль" Николаса Роуга. В это же время на Карнаби-стрит, ставшей культовым местом "свингующего Лондона", появились магазины розничной торговли. В 1960-е бутики предлагали молодежи революционные модели, и эта улица прославилась на весь мир как центр независимой моды.
Бунтарские настроения пятидесятых перекочевали и в шестидесятые. В этот период даже подростки из состоятельных семей одевались в секонд-хэндах, подчеркивая свою исключительность и протест против общества потребления. В крупных городах популярными стали рынки с ретро-одеждой, подростки не боялись сочетать старомодные вещи из разных эпох, не заботясь о моде. В то время как обеспеченные молодые люди демонстрировали свою принадлежность к субкультуре, намеренно надевая старые вещи, для подростков из бедных семей эта тенденция стала возможностью соответствовать веяниям и не тратить деньги. Бунтарский дух, однако, был высмеян многими журналистами, которые называли стилизованную бедность насмешкой над бедностью реальной. Американский писатель Том Вулф отзывался о молодежи, как о капризных детях, играющих в революцию, а сам стиль одежды назвал "радикальным шиком". Модельеры же, пытаясь угодить изменившимся вкусам, начали создавать модели в стиле 30-40-х годов, однако дизайнерская одежда "под ретро" не пользовалась большой популярностью - контркультура игнорировала моду.
Отказ от стиля леди и всех тенденций, популярных в предыдущие десятилетия, привел к самому яркому и массовому движению второй половины шестидесятых - хиппи. Пропагандировавшие любовь и мир, несогласные с политикой своих государств "дети цветов" облачались в экзотическую одежду, привезенную из других стран: южноамериканское пончо, индийские туники и головные уборы эскимосов. Яркие и обильно расшитые наряды хиппи дополняли массивными украшениями - в основном, индийскими браслетами и поясами. Философия хиппи стала настолько популярной, что многие модельеры констатировали закат функционализма. "В отличие от романтического стиля и стиля ар-нуво, фольклорный и спортивный стили вкупе с пестрыми мексиканскими одеждами пользуются сегодня необычайным успехом", — писал журнал Neue Mode. Необычные, яркие и притягательные индийские мотивы захватили в 1960-е всю Европу и Америку, а молодежь теперь носила куртки "йети", пестрые юбки, расклешенные брюки, турецкие шаровары, расшитые рубашки и шубы из длинного меха. Несмотря на то что сами представители субкультур скептически относились к моде, глянцевые издания писали о том, что новый стиль заслуживает пристального внимания и способен оказать серьезное влияние на фэшн-индустрию.
В конце десятилетия яркая психоделическая одежда из искусственных материалов отошла на второй план, а настоящим хитом стал стиль милитари. Использование военных вещей в повседневной жизни тоже было своеобразным протестом, последовавшим за прокатившимися по Европе протестами 1968 года: так молодежь пыталась придать одежде, предназначенной для сражений, мирный характер. Камуфляж с грубыми заплатками украшали символами мира, юбки и туфли в стиле милитари разукрашивали в красный и розовый цвета. Такую одежду носили представители самых разных субкультур, а особенно популярны были куртки больших размеров с символами воздушной авиации США. Тогда же модельеры начали экспериментировать с оливково-зеленым цветом, получившим название хаки.
Тенденция к минимализму и главный символ десятилетия
В 1960-е широкое распространение получила одежда из эластичных тканей. Мысль о том, что иметь в гардеробе много вещей неудобно и что женщины вполне смогут обходиться всего несколькими базовыми моделями, посещала модельеров еще в 1930-е и 1940-е годы. Клэр Маккарделл в 1934 году предложила сменить все разнообразие фасонов и моделей на несколько основных элементов, а в начале следующего десятилетия она первой создала леотар — трико с длинными рукавами — и сделала его основой образа. Базовыми вещами гардероба модельер считала черную водолазку и колготки. По-настоящему популярной идея комбинации нескольких простых вещей стала в шестидесятые, когда женщинам предлагалось иметь в гардеробе лишь топ, жакет, юбку и брюки.
Сведение количества одежды к минимуму в этот период стало возможным благодаря появлению эластичных тканей. В 1960-е модельер Джорджио ди Сант-Анджело начал искать новые способы создания тканей. Он работал с шерстью и акриловой нитью, а также изобрел эластичный шелк, который мог растягиваться в любом направлении. Из эластичного шелка и лайкры шились и купальники, и вечерние топы. Художник по костюмам Жак Фонтерей в 1968 году писал: "Я уверен, что трико или одна из его разновидностей станет основным элементом одежды будущего". Фонтерей оказался прав: именно эластичные модели 1960-х послужили основой для создания современной одежды — от спортивных костюмов до вечерних нарядов.
1960-е стали очередным десятилетием, полностью изменившим представления о стандартах женской красоты. Если после войны модельеры ориентировались на матерей семейства и женщин с формами, то в шестидесятые в моду вновь вошла андрогинность, а символом новых стандартов привлекательности стала знаменитая . Худощавая девочка-подросток с наивно раскрытыми глазами появлялась на обложках ведущих глянцевых изданий, а девушки по всему миру стали соблюдать жесткие диеты, желая походить на своего кумира. Твигги стала первой моделью, чей образ воплощал идеалы десятилетия, модельеры создавали одежду для очень худых девушек с мальчишескими фигурами. В модных журналах и на плакатах она появлялась в мини-юбках и платьях от Мэри Квант и воплощала "кукольный" стиль, необычайно популярный в 1960-х. Наряду с поклонниками у Твигги были и недоброжелатели - многие журналисты называли ее болезненно худой и "голодной" девочкой, однако это не помешало распространению моды на андрогинность - в шестидесятые мужчины часто ходили с длинными волосами, а молодые женщины предпочитали короткие стрижки и платья-мини, таким образом выражая нежелание взрослеть.
Громкие дебюты 1960-х
Шестидесятые стали началом гениальной карьеры , который громко заявил о себе уже в начале десятилетия. В 1957 году, после смерти Кристиана Диора, 21-летний Сен-Лоран занял место креативного директора Дома Dior. Однако уже в 1960 году юный модельер создал свою последнюю коллекцию для бренда: руководители Dior решили, что молодой дизайнер не вправе навязывать поклонникам высокой моды уличный стиль, и распрощались с Сен-Лораном. Через два года кутюрье выпустил первую коллекцию под собственным именем, для которой создал двубортный блейзер с золотыми пуговицами и шелковые брюки. Позже сам модельер и многие другие дизайнеры использовали эту модель.
Ив Сен-Лоран был одним из первых модельеров, не побоявшихся создавать революционную одежду в стиле оп-арт и поп-арт, а также предложил смокинг для женщин и наряды в стиле "Африка" и "Сафари". Он смело сочетал самые яркие цвета, ярко-розовое платье дополняя канареечным пиджаком, комбинируя черный с коричневым, оранжевый с красным и фиолетовый с синим.
Еще один громкий дебют десятилетия - появление в мире моды итальянского "шейха шика" Валентино Гаравани. Получив образование в Париже, в конце 1950-х он вернулся в родную Италию, где открыл Дом мод, явивший миру ставшие легендарными фирменные красные платья. Яркие платья стали "визитной карточкой" Гаравани, а у красного цвета дизайнер различал тридцать оттенков. Громкий международный дебют Валентино состоялся в 1962 году, а в 1968-м вышла его знаменитая "белая коллекция", целиком состоящая из вещей белого цвета. Тогда же модельер впервые использовал логотип "V". Женственные платья от Валентино стали символами роскошной жизни, и звезды Голливуда заваливали кутюрье заказами. В 1968 году кружевное платье от Гаравани, в котором выходила замуж за Аристотеля Онассиса, попало на страницы практически всех ведущих изданий.
Шестидесятые стали десятилетием молодежных субкультур, эксцентричной "бумажной" и "пластиковой" моды и минимализма. Европейские и американские подростки протестовали против политики своих государств, демонстрируя негативное отношение к обществу потребления с помощью одежды из секонд-хэндов. Игнорирование молодежью дизайнерских моделей не помешало громкому дебюту Ива Сен-Лорана и Валентино Гаравани, также пришедшемуся на "безумные шестидесятые". "Если вы помните 60-е, значит, вы тогда не жили", — говорил продюсер группы The Doors Дик Вулф.
"Чем безумнее - тем лучше!"
Пожалуй, самым экстравагантным направлением моды 1960-х стал космический стиль. В 1961 году , и это повлияло не только на развитие науки, но и на моду. Дизайнеры были вдохновлены новыми перспективами и стали создавать причудливые, "инопланетные" модели. Первопроходцем в "космической моде" был дизайнер Андре Курреж, поклонники которого носили лунные ботинки и солнцезащитные очки в форме теннисных мячей. Курреж создавал короткие, похожие на детские, платьица, украшая их сверкающими пайетками и необычными аксессуарами.
Для подобных моделей более подходящими оказались искусственные, а не натуральные материалы - синтетика, пластик, винил. Модельеры украшали платья виниловыми пластинками и ими же скрепляли элементы купальника. В качестве материала использовался и металл. Конечно, сияющие комбинезоны, шлемы причудливой формы и щиты для глаз не прижились на улицах, однако подиумы в то время пестрели необычными "космическими" моделями, над созданием которых работали известные модельеры и .
Мода на синтетические волокна плавно переросла в тенденцию создавать одежду из материалов, ранее использовавшихся в совсем иных целях. Дизайнеры экспериментировали с материалами, изготовлявшимися для космических скафандров, спортивной одежды и военной формы. Модели дефилировали по подиумам в одежде из винила и дакрона, которая на фоне консервативной парижской моды предыдущих десятилетий выглядела сверхоригинально и даже революционно. Эксцентричность предложенных дизайнерами нарядов считалась плюсом - для многих 1960-е прошли под девизом: "Чем безумнее - тем лучше!". Наряду с "пластиковой" и "виниловой" тенденцией в этот период в мире моды протекал и "бумажный бум".
В 1966 году в США фабрика Скотта помимо бумажных предметов обихода стала выпускать и одежду. Бумажные модели были двух расцветок - черно-белые и желто-черно-красные. Коллекцию назвали "Взрыв цвета" и рекомендовали менять при помощи ножниц, а чинить, используя лист бумаги. Надевать подобное платье можно было до пяти раз, а продавались модели "бумажной" моды в специальных магазинах. Производители представляли новые костюмы как воплощение блестящей новаторской идеи и произведение современного искусства.
Уловив новую тенденцию в массовом производстве, бумажные модели стали создавать и дизайнеры. "Бумажными кутюрье" журналисты и публика окрестили Элизу Дэббс и Гарри Гордона, выпускавших платья по три доллара за штуку. Однако не все дизайнеры были столь демократичны - зачастую цены на бумажные модели могли сравниться с кутюрными нарядами. В Нью-Йорке, на Мэдисон-авеню открылся бутик "Парафеналия", где продавалась супермодная пластиковая и бумажная одежда. "Тот, кто с пафосом относится к одежде, отвратителен. Ведь это всего лишь одежда. Она должна быть смешной, ее нельзя воспринимать серьезно", — озвучил настроения в молодежной среде один из основателей "Парафеналии" Пол Янг, сооснователем культового бутика был .
Искусство в моде
На фоне популярности картин "Зеленые бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл" Уорхол начал переносить свои знаменитые рисунки и на ткань. Создавая одежду по собственным эскизам, он выпустил ставшие популярными платья "Бутылка", "Хрупкость", рубашку "Суп "Кэмпбелл". Рисунки в стиле поп-арт использовали в своих моделях и другие дизайнеры, сделав многократное перенесение привычных объектов на ткань одной из самых ярких тенденций моды 1960-х.
Если влияние кинематографа на моду ощущалось и в предыдущие десятилетия, то живопись проникла в фэшн-индустрию как раз в шестидесятые. Еще одним течением, которое нашло широкое отражение в массовой одежде, стал стиль оп-арт. Картины, выполненные в этом стиле, строились на световых эффектах и контрасте черного и белого цветов. Тенденция выражать человеческие чувства с помощью оптических эффектов появилась в 1950-х, а повсеместное распространение получила уже в середине 1960-х. Черно-белые контрастные полотна зачастую вызывали у зрителей головокружение, а модельеров стиль оп-арт привлекал графической простотой и новизной. Обычно подобные модели одежды были простого кроя, что, впрочем, с лихвой компенсировалось изображенными на ткани искаженными геометрическими фигурами, стилизованными кругами и монохромными спиралями и полосами. "Новая волна рисунка на ткани получила название оп-арт. Основой дизайна становятся современная архитектура и живопись. От романтизма не осталось и следа", — писал в 1966 году журнал Neue Mode.
Новая, в чем-то эксцентричная мода была крайне популярна у подростков. Среди модельеров, вдохновлявшихся новыми течениями в живописи, были Лари Олдрич, Андре Курреж, . Последний в 1965 году представил публике коллекцию, основанную на творчестве одного из основоположников абстрактной живописи Пита Мондриана. Модельеры предлагали огромное разнообразие безумных аксессуаров и цветовых контрастов, однако именно противопоставление черного и белого стало настоящим хитом десятилетия. Начиная с 1960-х годов, дизайнеры постоянно черпали идеи в других видах искусства, подтверждая тем самым, что красота - категория не постоянная, а переменная.
"Радикальный шик" и стиль субкультур
Наряду со столицами мировой моды Парижем и Миланом в 1960-х годах свой стиль стал диктовать Лондон. Ведущие издания называли английскую столицу новым центром стиля и моды, а британские дизайнеры наперекор консервативному Парижу предлагали экстравагантные модели, которые стали настоящим символом десятилетия.
После окончания Второй мировой войны и преодоления кризиса финансовая ситуация в европейских странах начала улучшаться. Молодые люди уделяли больше времени музыке, кино и прочим развлечениям. Так в лондонский стиль проникла американская мода на джинсы и косухи, а эмигранты из бывших британских колоний привнесли в столицу Англии стиль западной Индии. Новое направление, сформировавшееся под влиянием самых разных веяний и культур, было ориентировано преимущественно на подростков. На улицах Лондона в то время можно было встретить как молодых людей в этнических нарядах, так и "бунтарей" в футболках и потертых джинсах. В 1966 году журнал Time Magazine опубликовал статью под заголовком "Лондон — город свинга". В конце десятилетия на экран вышли фильмы, отразившие революционный дух того периода: "Фотоувеличение" Микеланджело Антониони и "Спектакль" Николаса Роуга. В это же время на Карнаби-стрит, ставшей культовым местом "свингующего Лондона", появились магазины розничной торговли. В 1960-е бутики предлагали молодежи революционные модели, и эта улица прославилась на весь мир как центр независимой моды.
Бунтарские настроения пятидесятых перекочевали и в шестидесятые. В этот период даже подростки из состоятельных семей одевались в секонд-хэндах, подчеркивая свою исключительность и протест против общества потребления. В крупных городах популярными стали рынки с ретро-одеждой, подростки не боялись сочетать старомодные вещи из разных эпох, не заботясь о моде. В то время как обеспеченные молодые люди демонстрировали свою принадлежность к субкультуре, намеренно надевая старые вещи, для подростков из бедных семей эта тенденция стала возможностью соответствовать веяниям и не тратить деньги. Бунтарский дух, однако, был высмеян многими журналистами, которые называли стилизованную бедность насмешкой над бедностью реальной. Американский писатель Том Вулф отзывался о молодежи, как о капризных детях, играющих в революцию, а сам стиль одежды назвал "радикальным шиком". Модельеры же, пытаясь угодить изменившимся вкусам, начали создавать модели в стиле 30-40-х годов, однако дизайнерская одежда "под ретро" не пользовалась большой популярностью - контркультура игнорировала моду.
Отказ от стиля леди и всех тенденций, популярных в предыдущие десятилетия, привел к самому яркому и массовому движению второй половины шестидесятых - хиппи. Пропагандировавшие любовь и мир, несогласные с политикой своих государств "дети цветов" облачались в экзотическую одежду, привезенную из других стран: южноамериканское пончо, индийские туники и головные уборы эскимосов. Яркие и обильно расшитые наряды хиппи дополняли массивными украшениями - в основном, индийскими браслетами и поясами. Философия хиппи стала настолько популярной, что многие модельеры констатировали закат функционализма. "В отличие от романтического стиля и стиля ар-нуво, фольклорный и спортивный стили вкупе с пестрыми мексиканскими одеждами пользуются сегодня необычайным успехом", — писал журнал Neue Mode. Необычные, яркие и притягательные индийские мотивы захватили в 1960-е всю Европу и Америку, а молодежь теперь носила куртки "йети", пестрые юбки, расклешенные брюки, турецкие шаровары, расшитые рубашки и шубы из длинного меха. Несмотря на то что сами представители субкультур скептически относились к моде, глянцевые издания писали о том, что новый стиль заслуживает пристального внимания и способен оказать серьезное влияние на фэшн-индустрию.
В конце десятилетия яркая психоделическая одежда из искусственных материалов отошла на второй план, а настоящим хитом стал стиль милитари. Использование военных вещей в повседневной жизни тоже было своеобразным протестом, последовавшим за прокатившимися по Европе протестами 1968 года: так молодежь пыталась придать одежде, предназначенной для сражений, мирный характер. Камуфляж с грубыми заплатками украшали символами мира, юбки и туфли в стиле милитари разукрашивали в красный и розовый цвета. Такую одежду носили представители самых разных субкультур, а особенно популярны были куртки больших размеров с символами воздушной авиации США. Тогда же модельеры начали экспериментировать с оливково-зеленым цветом, получившим название хаки.
Тенденция к минимализму и главный символ десятилетия
В 1960-е широкое распространение получила одежда из эластичных тканей. Мысль о том, что иметь в гардеробе много вещей неудобно и что женщины вполне смогут обходиться всего несколькими базовыми моделями, посещала модельеров еще в 1930-е и 1940-е годы. Клэр Маккарделл в 1934 году предложила сменить все разнообразие фасонов и моделей на несколько основных элементов, а в начале следующего десятилетия она первой создала леотар — трико с длинными рукавами — и сделала его основой образа. Базовыми вещами гардероба модельер считала черную водолазку и колготки. По-настоящему популярной идея комбинации нескольких простых вещей стала в шестидесятые, когда женщинам предлагалось иметь в гардеробе лишь топ, жакет, юбку и брюки.
Сведение количества одежды к минимуму в этот период стало возможным благодаря появлению эластичных тканей. В 1960-е модельер Джорджио ди Сант-Анджело начал искать новые способы создания тканей. Он работал с шерстью и акриловой нитью, а также изобрел эластичный шелк, который мог растягиваться в любом направлении. Из эластичного шелка и лайкры шились и купальники, и вечерние топы. Художник по костюмам Жак Фонтерей в 1968 году писал: "Я уверен, что трико или одна из его разновидностей станет основным элементом одежды будущего". Фонтерей оказался прав: именно эластичные модели 1960-х послужили основой для создания современной одежды — от спортивных костюмов до вечерних нарядов.
1960-е стали очередным десятилетием, полностью изменившим представления о стандартах женской красоты. Если после войны модельеры ориентировались на матерей семейства и женщин с формами, то в шестидесятые в моду вновь вошла андрогинность, а символом новых стандартов привлекательности стала знаменитая . Худощавая девочка-подросток с наивно раскрытыми глазами появлялась на обложках ведущих глянцевых изданий, а девушки по всему миру стали соблюдать жесткие диеты, желая походить на своего кумира. Твигги стала первой моделью, чей образ воплощал идеалы десятилетия, модельеры создавали одежду для очень худых девушек с мальчишескими фигурами. В модных журналах и на плакатах она появлялась в мини-юбках и платьях от Мэри Квант и воплощала "кукольный" стиль, необычайно популярный в 1960-х. Наряду с поклонниками у Твигги были и недоброжелатели - многие журналисты называли ее болезненно худой и "голодной" девочкой, однако это не помешало распространению моды на андрогинность - в шестидесятые мужчины часто ходили с длинными волосами, а молодые женщины предпочитали короткие стрижки и платья-мини, таким образом выражая нежелание взрослеть.
Громкие дебюты 1960-х
Шестидесятые стали началом гениальной карьеры , который громко заявил о себе уже в начале десятилетия. В 1957 году, после смерти Кристиана Диора, 21-летний Сен-Лоран занял место креативного директора Дома Dior. Однако уже в 1960 году юный модельер создал свою последнюю коллекцию для бренда: руководители Dior решили, что молодой дизайнер не вправе навязывать поклонникам высокой моды уличный стиль, и распрощались с Сен-Лораном. Через два года кутюрье выпустил первую коллекцию под собственным именем, для которой создал двубортный блейзер с золотыми пуговицами и шелковые брюки. Позже сам модельер и многие другие дизайнеры использовали эту модель.
Ив Сен-Лоран был одним из первых модельеров, не побоявшихся создавать революционную одежду в стиле оп-арт и поп-арт, а также предложил смокинг для женщин и наряды в стиле "Африка" и "Сафари". Он смело сочетал самые яркие цвета, ярко-розовое платье дополняя канареечным пиджаком, комбинируя черный с коричневым, оранжевый с красным и фиолетовый с синим.
Еще один громкий дебют десятилетия - появление в мире моды итальянского "шейха шика" Валентино Гаравани. Получив образование в Париже, в конце 1950-х он вернулся в родную Италию, где открыл Дом мод, явивший миру ставшие легендарными фирменные красные платья. Яркие платья стали "визитной карточкой" Гаравани, а у красного цвета дизайнер различал тридцать оттенков. Громкий международный дебют Валентино состоялся в 1962 году, а в 1968-м вышла его знаменитая "белая коллекция", целиком состоящая из вещей белого цвета. Тогда же модельер впервые использовал логотип "V". Женственные платья от Валентино стали символами роскошной жизни, и звезды Голливуда заваливали кутюрье заказами. В 1968 году кружевное платье от Гаравани, в котором выходила замуж за Аристотеля Онассиса, попало на страницы практически всех ведущих изданий.
Что такое стиль оп-арт в одежде?
Он как будто играет с вами, провоцирует, развлекает, вводит в заблуждение. Эти образы создают иллюзию, вы видите то, чего на самом деле нет.
В 1960-е годы, с появлением так называемых модов, пижонов и по совместительству хулиганов, подражавших стилю золотой молодежи 1920-х годов, молодежные субкультуры впервые начали оказывать воздействие на основные культурные и модные тенденции, Молодежь хотела выглядеть ярко и экстравагантно, стремилась к свободе и раскрепощенности. Молодые люди первыми узнавали о новинках в сфере дизайна, музыки и искусства, считали своим долгом окружать себя стильными вещами.
Стиль оп-арт - история становления
Излюбленной темой английских стиляг было оптическое искусство оп-арт Этот вид искусства был порожден увлечением точными науками, кибернетикой, новыми технологиями, открытиями в области человеческого восприятия. Произведения оп-арта строились на световых эффектах и контрасте цветов. Комбинациями простых геометрических форм и хроматических цветов художники достигали эффекта ожившего пространства.
Несмотря на то что графическая иллюзия вызывала у зрителей что-то вроде головокружения, этим видом искусства заинтересовался мир моды. Модельеры стали активно заимствовать идеи оп-арта, перенося полосы, квадраты, спирали, круги и прочие геометрические фигуры на одежду и аксессуары. Простоту кроя прямых цельнокроеных платьев А образного или облегающего силуэта компенсировала затейливая черно-белая графика. Фирмы по производству тканей нанимали молодых художников для разработки актуальных орнаментов в стиле оп-арт для одежды. Резкий контраст черно-белых пятен, привлекающий внимание рисунок - все это оставляло незабываемое впечатление, как нельзя лучше выделяло из толпы. А новые свойства синтетики - ее прозрачность, блеск, пластичность - позволяли наилучшим образом выразить модные тенденции.
1960-е ассоциируются с именем модельера работающего в стиле оп-арт Мэри Квант. Молодая англичанка, вращающаяся в кругах стильной молодежи Лондона, остро чувствовала дух времени. Все лучшие тенденции в одежде модников она воплотила в своих моделях. Хотя по сути новая мода - очень короткие платья и пальто, геометрические рисунки и плоская обувь - была рассчитана только на молодых и стройных, к концу 1960-х все женщины одевались подобным образом. Молодость стала культом.
Стиль оп-арт в современной одежде
Рисунок в стиле оп-арт до сих пор привлекает взгляд, вносит пульс и динамику В образ всего костюма, вызывает живые эмоции. Он перешагнул через все социальные границы, став средством самовыражения.
Сегодня черно-белая графика отличается более изысканными рисунками, иногда очень сложными. Самое простое в стиле оп-арт в одежде - это горох самого разного размера и вариантов, то черный на белом, то белый на черном. Более сложные приняты - разнообразные волны, разводы, звездочки, пятнышки, колечки.
Знаменитый черно-белый рисунок клетки "куриная лапка", или "собачий зуб", появившийся в 1960-х, актуален до сих пор. Его часто используют в классической одежде высокого качества. Орнамент составляют элементы-модули, напоминающие формой птичий след или клык собаки. Этот рисунок украшает упаковку туалетной воды Miss Dior.
Отдельная тема в стиле оп-арт - цветочный принт в черно-белой гамме. Сложной формы, тщательно прорисованные черные бутоны и цветы изысканно смотрятся на белом полотне (реже - белые цветы на черном полотне). В этом есть и декаданс, и современная нотка хай-тека и отсыл к романтичной наполеоновской Франции. При этом все пространство ткани в стиле оп-арт может быть покрыто мелкими детализированными узорами, а может быть всего один крупный принят - огромный цветок неизвестной природы, но с удивительно сложным рисунком лепестков и тычинок. Авангардным можно считать и соединение в одной модели полосок, горошка, квадратиков и сложных цветочных орнаментов. Иногда это кажется некоторым перебором, но для эпатажа подобные сочетания подойдут как нельзя кстати.
Стиль оп-арт в одежде пережил время поклонников - арта и моды 1960-х покупают себе оригинальные вещи в секонд-хендах, стоках, магазинах винтажной одежды, на блошиных рынках.
Стиль оп-арт - образы
Загадочно
Образ этой загадочной женщины вызывает интерес у окружающих независимо от их возраста, пола и положения. Мужчины и женщины заинтересованно глядят на ту, которая олицетворяет собой тайну. Она - загадка, разгадать которую невозможно в принципе, но всем очень хочется это сделать. Она околдовывает своей красотой и неприступностью, как будто окутывает тех, кто рядом, невидимой паутиной, из которой немногие способны вырваться.
Цвета в костюмном ансамбле: черный, белый, темно-серый загадочно коварно волшебно
Романтично
Неуловимый и мечтательный образ в стиле оп-арт. Она редко открывается другому человеку, предпочитая оставаться очаровательной незнакомкой. Естественность и непринужденность не мешают ей раз и навсегда определить, следует ли ей продолжать общаться с определенным человеком или нет. Жизнь ей интересна, но она не относится к ней как к захватывающей игре, а как бы наблюдает ее и себя со стороны. Она просто живет и сравнивает белое с черным, выбирая для себя лучшее. И не нуждается в чужих советах и помощи.
Цвета в костюмном ансамбле: белый, черный, светло-серый романтично неуловимо таинственно
Свободно
Образу в стиле оп-арт свойственны бунтарские настроения. Она стремится выступить против тех норм, которые кажутся неверными и устаревшими. Она с теми, кто в меньшинстве, но при этом не ощущает себя изгоем. Скорее, она избранная. Она никогда не станет обращать на себя внимание ради самого внимания. Она старается выделиться не для того, чтобы привлечь внимание к себе, а чтобы сделать акцент на той идее, приверженцем которой она является. Цвета в костюмном ансамбле: белый, черный, темно-серый неформально авангардно независимо
Элегантно
Неожиданный, остроумный, заманчиво-игривый и невероятно эстетский образ. Своим появлением она вносит непринужденность и улыбку, сохраняя при этом некоторую независимость и отстраненность. Она уверена в своих силах, возможностях и убеждениях. Одежда выделяет ее из толпы, задерживает на себе взгляд. Демонстрируя разные грани свой сложной натуры, она каждый раз предстает абсолютно другой личностью в стиле оп-арт.
Цвета в костюмном ансамбле: черный, белый, светло-серый непринужденно стильно эффектно
Сегодня можно найти самые разнообразные наряды, отличающиеся по фасону, стилю, крою и расцветке. Но одни из самых удивительных, это, пожалуй, те, что созданы в стиле оп-арт.
История оп-арта
Как модное направление оп-арт в одежде появился на грани 50-х — 60-х годов прошлого века и стал одним из новинок того времени. Название это сокращенное, полностью оно произноситься как «optical art» и переводиться с английского языка в прямом смысле слова – оптическое искусство.
Его суть лежит в том, что с помощью многократно повторяющихся геометрических фигур, создается эффект объема или движения на абсолютно плоской поверхности. Мы уже давно знакомы с такими рисунками, только никогда не думали, как они называются.
Сначала оп-арт использовался художниками. И, согласно историческим данным, основоположником его стал некий Виктор Вазарели, нарисовавший в 1938-м году свою легендарную картину «Зебры».
Первыми, кто решил использовать иллюзию в тканях стали американские дизайнеры. Благодаря новому подходу, они смогли создавать такие наряды, что визуально «выравнивали» фигуру, делая грудь и бедра более выразительными, а талию более тонкой.
Одним из них стал Ив Сен Лоран, использовавший крупные и в коктейльных платьях на осень-зиму 1965-1966 года. В наши дни оп-арт вернулся благодаря Vogue, опубликовавшему фотосъемку «Op position» в 2001-м году, где использовались именно оптические принты.
Современные художники способны создать такие рисунки, что ходят волнами под нашим взглядом или изменяют свою форму. Хотя если присмотреться, то вроде бы все осталось, как было и в тоже время, опять, кажется что, что-то изменилось. Интересный подход надо сказать.
Оп-арт в наши дни
Высокая мода никогда не стоит в стороне от подобных новшеств, а потому оп-арт в одежде можно было найти как в прошлом году, так и в этом. Причем он регулярно находил свое применение во множестве коллекций от самых известных марок. Так, геометрические формы пришлись по душе брендам Александр Маккуин, Анна Суи, Роберто Кавалли, Ив Сен Лоран, Клименс Рибьеро, Топ Шоп и многим другим.
Они широко использовали ромбы, треугольники, косые и прямые линии, а также плавные рисунки цветов и просто абстрактных форм. По поводу цвета, главным правилом здесь выступает сочетание контрастных и ярких цветов, так что одежда в этом стиле никак не может быть серой и неприметной. Самыми главными оттенками, конечно же, выступают черный и белый. Из них можно составить самые невероятные вариации.
В сезоне осень-зима 2012-2013 наряды этого стиля можно было увидеть в работах Rochas, Prada, Versus и Miu Miu.А чего только стоит взглянуть на весеннюю коллекцию одежды от Louis Vuitton на 2013 год, где главным рисунком стал с использованием черных, белых, желтых, зеленых, коричневых и других ярких цветов.
Правила выбора одежды в стиле оп-арт
Покупая одежду в стиле оп-арт, нужно понимать, что с ее помощью можно достигнуть более совершенного вида. Так, затемненные линии вдоль боков, визуально делают женщину стройнее, а горизонтальные линии по всей длине платья, могут превратить худую девушку с маленьким бюстом в довольно выразительную красавицу. Точно так же вертикальные рисунки позволяют казаться выше.
Очень хорошо использовать эту одежду и для полненьких девушек. Она может быть выполнена французским методом, который направлен на подчеркивание главных достоинств фигуры, или русским методом – призванным скрывать недостатки.
Но, формируя свой образ из таких нарядов, нужно быть предельно осторожной, чтобы выглядеть красиво, а не броско и неказисто. Для этого следует учитывать, что при наличии костюма, в котором и верх и низ содержит так называемые психоделические принты, аксессуары нужно выбирать монотонные и как можно более спокойные. Ко всему этому также подойдет клатч однотонного цвета и такая же обувь.
При желании можно даже сочетать два разных геометрических принта, главное, чтоб у них была одна цветовая гамма или одинаковые формы рисунков. Однако вполне возможно совместить оп-арт и с совершенно другими рисунками – анималистическими либо цветочными. В последнем случае важно, чтобы один из них был доминирующим, а другой дополняющим.
Вот такое интересное направление, которому обязательно нужно уделить внимание, если есть желание выглядеть красиво и необычно.
